Ces dernières années, les formats expérientiels se sont multipliés. Installations immersives, dîners scénographiés, événements narratifs... et si une autre intention émergeait ? Moins démonstrative, plus ouverte.

La revalorisation et l’économie régénérative n’offrent pas seulement une seconde vie. Elles ouvrent de nouvelles nuances, essentielles pour raconter la complexité du geste et la singularité des matériaux naturels.

La régression n’est pas une tendance générationnelle mais une lecture du présent. Ce principe en dit long sur la fatigue d’un monde figé dans la performance et l’anxiété. Il ouvre une brèche, une esthétique du désarmement où la matière retrouve l’émotion et le savoir désapprend le sérieux. Du jeu au geste, une chose est sûre, le design du futur aura des souvenirs.

Sous la verrière du Carreau du Temple, la scénographie de Pauline Leprince prend vie dans la lumière. Guidée par les reflets métalliques de l’installation, elle révèle une matériauthèque à ciel ouvert, rythmée de pleins et de vides, où s’expose le sensible.

La matière naît de tout, surtout là où on ne l’attend pas.

Cette année, et pour la deuxième fois consécutive, Jean-Baptiste Anotin et Thibault Huguet présentent la Paris Design Week Factory. Un lieu où émergent de nouvelles esthétiques portées par une génération de designers qui explorent sans relâche.

L'auteure Lilia Hassaine, dans son roman Panorama, dépeint un monde d’habitats transparents où l’architecture n’abrite plus mais expose, et où l’intimité devient soupçon. Si l’intrigue se déroule en 2050, le récit prend pourtant racine en 2030 et nous plonge dans les travers de nos tendances contemporaines.

Dans l’intimité de son appartement parisien, la maison danoise a présenté sa dernière collection olfactive lors d’une soirée imaginée en collaboration avec le magazine FORMÆ.

J’ai 28 ans et ce post est une lecture depuis l’intérieur, d’une génération complexe qui ne cherche pas à être comprise, mais à s’exprimer. Née entre 1995 et 2010, la gen Z grandit dans un monde instable marqué par la raréfaction des ressources, la saturation technologique et la transformation des repères culturels.

Nous sommes en 1925, l’âge d’or d’un style que l’on ne nomme pas encore Art déco, mais qui façonne déjà un nouvel art de vivre. Celui d’un monde affranchi des lourdeurs du passé, porté par le désir de renouveau.
Les matières vivent, la laque, l’ivoire et les bois rares habillent les lignes géométriques d’un mobilier aussi somptueux qu’avant-gardiste.

À Séoul, le rideau s’ouvre sur un jour de folie. Celui des Noces de Figaro, où Pierre Yovanovitch déploie, pour la seconde fois, son langage architectural dans le champ expressif de la scène lyrique.

Je n’ai pas pour habitude de parler à la première personne, mais aujourd’hui ce serait mentir que de faire des généralités. Matter & Shape m’a rassurée avec ce qu’il y a de plus simple, la forme et la couleur. Parce que j’en avais besoin, dans une actualité de plus en plus anxiogène, mon regard s’est porté vers des créations apaisantes, où la simplicité d’un geste juste raconte une histoire.

MUJI n'a jamais eu besoin de crier son nom. Depuis 1980, la marque japonaise impose son esthétique sans artifice ni logo, cultivant un design à rebours des effets de mode. Sans le savoir, l'enseigne est pourtant précurseur du quiet luxury depuis des décennies en incarnant un minimalisme où l’usage prime sur le superflu.

Felipe Pantone est né dans le flux. Celui des pixels et des villes. Né en 1986 à Buenos Aires, il grandit dans le sud de l’Espagne, immergé dans un monde où la vitesse s’accélère et où l’image devient un langage instantané. Il débute par le graffiti à l'âge de 12 ans, recouvrant les murs de Torrevieja de son impulsivité, avant d’intégrer les collectifs D.O.C.S et Ultra Boyz.

Plasticienne émergente au génie intuitif, Aurore Monteil incarne la convergence entre art, artisanat et urbanisme. Sa démarche trouve un écho manifeste dans le cadre du programme « 1 Immeuble, 1 Œuvre », initiative portée par le ministère de la Culture visant à intégrer l’art au cœur de l’habitat, avec l’installation in situ Vita Esteree, située à Chelles, en Seine-et-Marne.* 

En 1997, Janet Echelman, en tant que boursière Fullbright, atterrit en Inde pour y exposer une série de peintures. Pendant le trajet, sa valise disparaît, et avec, tout son processus artistique. L’accident signe l’avènement de l’artiste, Janet Echelman se lance dans une quête radicale de réinvention et explore le mouvement comme moyen d’expression.